A discussão crítica sobre o Sgt. Pepper's Lonely Hearts ClubBand tem sido consistentemente consolidada em relação à importância do álbum, especialmente em relação às inovações musicais e maneiras com que mudou a cultura do rock. Quando se menciona a capa do álbum, esta é analisada em termos de sua relação simbólica com o conteúdo das inovações musicais do disco. Entretanto, teóricos como Kenneth Womack e Todd F. Davis examinaram a relação dos Beatles com a teoria crítica, enquanto que Ian Inglis explora o trabalho cultural contido nas capas dos álbuns dos Beatles. Ao invés de tratar da relação música e imagem, este artigo busca expandir a discussão além de seu valor para a música popular, focando em três contextos visuais: pop art, fotomontagem e a história do design em capas de álbuns. Defendo, no presente artigo, que Sgt. Pepper marca uma mudança na maneira como a imagem da banda desempenha uma crítica auto-reflexiva, tanto por meio do conteúdo visual da imagem quanto nos processos pelos quais foi criada, o que faz a capa do álbum transcender um simples bem de consumo ou uma embalagem exótica. A confluência entre pop art e fotomontagem e permeia essa discussão, uma vez que ambos movimentos estão engajados com a questão da representação e o status quo por meio da apropriação de imagens da comunicação de massa.

The critical discussion of Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band has consistently been framed in terms of its importance as a record album. That is, remarks about its musical innovations and the ways it changed the culture of rock music dominate the conversation. When the album cover is mentioned, it is analyzed in terms of the symbiotic relationship it has with the musical innovation of the album itself. However, the discussion is changing; theorists Kenneth Womack and Todd F. Davis have examined the Beatles' relationship to critical theory, and music critic Ian Inglis explores the cultural work of the Beatles' album covers. Yet much of this criticism still focuses primarily on the relationship between music and image. In this paper I expand the discussion beyond its value to popular music and consider the album cover in three visual contexts: Pop Art, photomontage, and the history of album cover design. I argue that Sgt. Pepper marks a shift in how the image of the band performs a self-reflexive critique, both through the visual content of the image as well as the processes by which it was created. This destabilizes the album cover as a mere commodity or extraneous packaging. The confluence of Pop Art and photomontage enhances the critique, for these movements fundamentally engage with problematizing representation and the status quo through the appropriation of mass - mediated images.

Resenha sobre o capítulo Paul grinds pepper do livro The Lives of John Lennon (1988) de Albert Goldman, que traz dados relevantes, pouco conhecidos e polêmicos sobre os bastidores do disco LP Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, lançado pelos Beatles em 1967 e o disco compacto com as faixas Penny Lane e Strawberry Fields forever, também lançado em 1967. Traz também o contexto histórico que precedeu a mudança estética mais radical da carreira dos Beatles, especialmente as gravações dos discos Rubber soul (1965) e Revolver (1966).

Review of the chapter Paul grinds pepper from the book The Lives of John Lennon (1988) by Albert Goldman, which brings relevant, lesser known and controversial data on the LP Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band released by the Beatles in 1967, and also the compact disc with the tracks Penny Lane and Strawberry Fields forever, also released in 1967. It also brings the historical context of the most radical aesthetic turn in the career of the Beatles, especially the recordings of Rubber soul (1965) and Revolver (1966).

Estudo comparativo entre os procedimentos composicionais de Ernesto Nazareth (1863-1934) no original de Odeon para piano de 1910 (NAZARETH e MAURÍCIO, 1968) e as práticas de performance e de arranjo pelo violonista de choro Raphael Rabello (1962-1995) no seu arranjo gravado em áudio comercial (NAZARETH e RABELLO, 1991) e em seu improviso gravado em vídeo não-comercial (RABELLO e NAZARETH, 1991). As análises das transcrições dessas gravações (NAZARETH e RABELLO, 2014; RABELLO e NAZARETH, 2014) revelam um tratamento livre da forma, alterações rítmicas, melódicas e harmônicas, e uma influência da linguagem idiomática do violão erudito e flamenco na performance de Raphael Rabello.

Comparative study between the compositional procedures by Brazilian composer and pianist Ernesto Nazareth (1863-1934) in his landmark choro Odeon for piano from 1910 (NAZARETH and MAURÍCIO, 1968) and the performance and arrangement practices by Brazilian choro guitar player Raphael Rabello (1962-1995) in his recorded arrangement (NAZARETH and RABELLO, 1991) and his non-commercial video improvisation (RABELLO and NAZARETH, 1991). The analyses of the transcriptions of these recordings (NAZARETH and RABELLO, 2014; RABELLO and NAZARETH, 2014) reveal a free approach to the form, alterations of rhythm, melody and harmony and influence of the classical and flamenco guitar in Raphael Rabello's performance.

Análise de Novena, canção de 1964 que inaugurou a carreira de compositores da dupla do então cantor-instrumentista Milton Nascimento e do letrista Márcio Borges. O contexto histórico, especialmente a partir de depoimentos dos dois artistas (BORGES, 1996, 2010, 2012; NASCIMENTO, 1993, 1996, 2009, 2012; BORGES e NASCIMENTO, 2012a, 2012b, 2012c, 2012d, 2012e, 2012f, 2012g, 2012h, 2012i, 2012j) e elementos melódicos, harmônicos e da relação texto-música da canção, percebidos na transcrição da única gravação de Milton Nascimento (NASCIMENTO e BORGES, 1993), apontam para a síntese de uma estética que se consolidou no Clube da Esquina, cujos membros desenvolveram carreiras com perfis ecléticos e uma linguagem musical estilisticamente híbrida.

Analysis of Novena, a song from 1964 that launched the career, as composers, of the singer-instrumentalist Milton Nascimento and lyricist Márcio Borges. The historical context, especially that told by the artists (BORGES, 1996, 2010, 2012; NASCIMENTO, 1993, 1996, 2009, 2012; BORGES e NASCIMENTO, 2012a, 2012b, 2012c, 2012d, 2012e, 2012f, 2012g, 2012h, 2012i, 2012j) and melodic, harmonic and text-painting elements, observed in the transcription of the only and late recording by Milton Nascimento (NASCIMENTO and BORGES, 1993) point out to a synthesis of an aesthetics that consolidated into the Brazilian Clube da Esquina (Corner's Club), whose members developed careers of eclectic profiles and a stylistically hybrid musical language.

Estudo estilístico sobre a música do compositor e pianista norte-americano Billy Strayhorn, que se tornou o braço-direito e alter ego de Duke Ellington. Discute o processo único de colaboração composicional entre estes dois gigantes do jazz e a questão da autoria no repertório da Duke Ellington Orchestra. Inclui o contexto da formação musical de Strayhorn e de suas obras. A análise de 19 obras selecionadas de Billy Strayhorn revela características estilísticas relacionadas ao estilo-andamento, métrica, tonalidade, forma, duração, ritmo harmônico, linguagem harmônica e outros detalhes relevantes.

Style study on the music of American composer and pianist Billy Strayhorn who became Duke Ellington's right arm and alter ego. It discusses the unique compositional collaboration between the two giants of jazz and the question of authorship in the Duke Ellington Orchestra repertory. It includes a historical context of Strayhorn's musical background and his works. The analysis of 19 selected works of Billy Strayhorn reveals traits related to style/tempo, time signature, tonality, form, length, harmonic chord pace and harmonic language and some other relevant details.

Desde o início de sua carreira como compositor e líder de orquestra de jazz nos anos de 1920, Duke Ellington tem sido comparado a compositores eruditos europeus como Delius e Debussy. Declarações como a de Constant LAMBERT (1934), de que Duke Ellington estabeleceu "um padrão pelo qual podemos julgar. . .compositores eruditos" se concentraram em procedimentos composicionais complexos de sua obra. Seguindo outra direção, o presente estudo examina a interseção entre os estilos erudito e jazzístico, por meio da análise de seções tipicamente improvisadas de Ellington. O desenvolvimento do solo improvisado de saxofone barítono, materiais improvisatórios no Interlúdio e o papel do piano de Duke Ellington em três gravações - de 1937, 1953 e 1956 (ELLINGTON, 1937, 1953, 1956), - de Diminuendo and crescendo in blue (1937) indicam o estabelecimento de solos fixos no repertório de sua orquestra. O grau de elaboração composicional aí implícito sugere outras implicações. A análise minuciosa das gravações e a verificação de críticas contemporâneas de Ellington e de fontes acadêmicas posteriores (especialmente a de Bruno NETTL, 1974) permitem avaliar as implicações da predeterminação sugerida pelo tratamento que Duke Ellington deu à improvisação neste período.

Since the beginning of Duke Ellington's career as composer and leader of his own jazz orchestra in the 1920s, a common critical theme has been the comparison with European art music composers such as Delius and Debussy. Assertions such as Constant LAMBERT (1934) statement that Duke Ellington set a "standard by which we may judge ...highbrow composers" focussed on the complex compositional devices in his output. Rather than restate these off-cited judgements of Ellington's compositional style, this paper examines the intersection between the classical and jazz styles by analysing typically improvised sections of Ellington's work. Consideration of the development of an improvised baritone saxophone solo, improvised material in the Interlude, and the role of Ellington's piano in three recordings of his 1937 Diminuendo and crescendo in blue (from 1937, 1953 and 1956 (ELLINGTON, 1937, 1953, 1956),) indicates the establishment of fixed solos in the Ellington Orchestra's repertoire. The degree of composition implied by this warrants further thought. Through close study of these recordings and engagement with contemporary criticism and later scholarly sources (focussing particularly on the writings of Bruno NETTL,1974) I evaluate the implications of the predetermination suggested by Ellington's treatment of improvisation over this period.

Dois estudos de caso sobre a relação texto-música-imagem em performances com atmosferas diametralmente opostas de Elis Regina nas canções Ladeira da Preguiça, de Gilberto Gil e Atrás da porta, de Chico Buarque e Francis Hime. A partir de uma adaptação da correspondência música-movimento proposta por HAGA (2008), as análises de gravações de vídeo históricas (REGINA e GIL, 1973; REGINA, BUARQUE e HIME, 1973; REGINA, BUARQUE e HIME, 1973/2006) e lead sheets (GIL, 1992; BUARQUE e HIME, 1999) revelam as interações entre os elementos textuais, musicais e cênicos a partir dos quais a cantora planeja e consolida seu gestual no palco de maneira estruturada e planejada, contrapondo ou reforçando diversos universos emocionais.

Two case studies about the text-music-image relationship in diametrically opposed performance atmospheres by Brazilian singer Elis Regina, in the songs Ladeira da Preguiça by Gilberto Gil and Atrás da porta by Chico Buarque and Francis Hime. Departing from an adaptation of the music-movement correspondence proposed by HAGA (2008), the analyses of historical video recordings (REGINA e GIL, 1973; REGINA, BUARQUE e HIME, 1973; REGINA, BUARQUE e HIME, 1973/2006) and lead sheets (GIL, 1992; BUARQUE e HIME, 1999) reveal the interaction between textual, musical and stage performatic elements. Based on these interactions, Elis Regina plans ahead and consolidates her stage gestures in a structured and planned manner, contrasting or reinforcing different emotional moods.